Our Life Is Not A Movie Or Maybe

Pen-Ek Ratanaruangs “Invisible Waves” – wieder eine Zusammenarbeit mit dem Cinematographer Christopher Doyle – kam keine drei Jahre nach dem Film “Last Life in the Universe” (2003) in die Kinos. Einiges spricht dafür, dass es sich dabei um einen Gegenentwurf handelt. Stand im Vorgängerfilm eine Liebesgeschichte und das Finden eines Sinns am Sein im Zentrum, geht es im Nachgänger – klassisch formuliert – um Verbrechen und Strafe, die zu Sinnverlust führen.

“Invisible Waves” ist ein sehr ruhiger Film. Man hätte den Stoff unter minimal anderen Voraussetzungen zu einem temporeichen Thriller verarbeiten können. Aber das konnte nicht die Absicht des Regisseurs sein, um das das Drehbuch von Prabda Yoon angemessen umzusetzen.

Wie auch dem Protagonisten Kyoji (Tadanobu Asano), offenbart sich dem Zuschauer nicht sofort, worauf die Geschichte hinausläuft. Viel Handlung gibt es nicht. Geduld ist angesagt, man wird am Ende nicht enttäuscht sein. Der Film ist eine Bildungsreise, die leider zu einer traurigen Erkenntnis führt.

Obwohl es zahlreiche Anknüpfungspunkte zu “Last Life in the Universe” gibt, so die Ähnlichkeiten einzelner Charaktere oder gleiche Namen, sind die Figuren doch nicht identisch. Wie bereits gesagt, man kann “Invisible Waves” als Gegenentwurf betrachten. Und dennoch ist es ein völlig eigenständiger Film, der kein Vorwissen voraussetzt.

Was den Film weniger leicht zugänglich macht, ist das Fehlen einer Projektionsfläche: sprich einer zweiten zentralen Figur. Kyoji, der einen Befehl befolgend eine schlimme Tat begangen hat, ist größtenteils auf sich allein gestellt. Auf einem Schiff, dessen bedrückende Atmosphäre Kafka nicht besser hätte beschreiben können, flieht er. Die in seinem Kopf stattfindenden Prozesse können und sollen zunächst nicht veranschaulicht werden, da sie sich auch erst entwickeln. Der Film bereitet sein Feld mit einer ganz eigenen Atmosphäre vor, die auf das Gemüt von Zuschauer und Kyoji wirkt.

Ein Barkeeper, mit dem sich Kyoji auf dem Schiff unterhält, gibt erste Anhaltspunkte über das Thema des Films. Der Barkeeper berichtet, er habe etwas Schlimmes getan und bestrafe sich mit der ungebliebten Tätigkeit auf dem Schiff selbst. Und darauf will wohl auch der Filmtitel, “Invisible Waves”, anspielen. Die unsichtbaren Nachwehen der Tat.

Je mehr der Film in seinem sehr langsamen Verlauf von seinem Gegenstand preisgibt, um so größer wird das Entzücken. Letzteres mit Blick auf die künstlerische Umsetzung, denn Heiterkeit kommt trotz leisen Humors nicht wirklich auf. Dafür ist das Thema zu ernst.

Am Ende seiner Reise ist Kyoji wieder dort angekommen, wo er aufgebrochen ist. Aber er ist ein anderer, bereit für das, was kommen wird.

Dieser Film wirft seine Geheimnisse nicht unter die Massen. Dem Zuschauer, der sie “Invisible Waves” entlockt, führen sie zu der Erkenntnis, einen großen Film gesehen zu haben. Pflichtkauf für Cineasten!

Wertung: 9/10

“Elizabeth – The Virgin Queen” (1998) hat erzählt, wie Königin Elizabeth I. an die Macht gekommen ist und diese gefestigt hat. Ihre Regierungszeit, die sich darüber hinaus über weitere vierzig Jahre erstrecken sollte, wird als das “Goldene Zeitalter” bezeichnet.

Basierend auf einem Drehbuch von William Nicholson und Michael Hirst hat der Regisseur Shekhar Kapur, von dem auch “Elizabeth – The Virgin Queen” stammt, einen Film gedreht, der an die bereits gezeigten Ereignisse anknüpft und ihn folgerichtig “Elizabeth – The Golden Age” genannt.

Es scheint ganz so, als ob die Geschichtsbücher aus dieser goldenen Zeit den Drehbuchautoren zu wenig Drama geboten haben. Denn in das Zentrum des Films stellen sie eine Dreicksbeziehung zwischen der Königin (Cate Blanchett), dem Entdecker Sir Walter Raleigh (Clive Owen) und der Hofdame Beth (Abbie Cornish), die es so nicht gegeben hat. Aber die Kunst ist frei – und so sind es die Autoren. Was letztlich zählt, ist der Film als Kunstwerk, nicht dessen historische Genauigkeit.

In diesem Punkt kann der Film leider nicht überzeugen. Das liegt zunächst daran, dass er keine klare Linie besitzt. Die romantische Beziehung der Königin zu Raleigh besitzt von Anfang an keine Aussicht auf Erfüllung. Da dem Film damit im Zentrum das Potential für Entwicklung fehlt, wird die Beziehung zur Hofdame mit den zu erwartenden Implikationen eingeflochten, was dann ein Gemisch ergibt, das sich auf dem Level einer besseren Telenovela mit deutlich besseren Schauspielern bewegt. Mit viel Melodrama wird Elizabeth als eine Frau gezeigt, die weit hinter die Entwicklung ihrer Figur zu Ende des ersten Teiles zurückfällt.

Die begleitenden Ereignisse die mit der Handlung verknüpft werden, um den Film interessant zu machen, sind zum größten Teil so stereotyp gestaltet, dass sie über die knalligen Farben hinaus kein Eigenleben gewinnen.

Da gibt es die Verschwörer, die nur auf ein Zeichen von Maria Stuart (Samantha Morton) warten, um Elizabeth vom Thron zu stürzen. Und Philip II. von Spanien (Jordi Mollà), der immerhin mit der mächtigsten Seemacht seiner Zeit gegen England in die Schlacht zieht und am Ende die größte Niederlage zur See in Spaniens Geschichte zu verantworten haben wird. Eigentlich das Material für Spannung und Drama, möchte man meinen.

Leider werden alle diese Figuren mit der gleichen dunklen Plakatfarbe gezeichnet, die sie lediglich als Gegenspieler und Rivalen kennzeichnet. Im schlimmsten Fall zu Witzfiguren macht. Der österreichische Thronfolger, der um die Hand der Königin wirbt, wird als junger Tölpel gezeigt. Das Muster erinnert an den ersten Teil, wo Vincent Cassel den lächerlichen Franzosen in Frauenkleidern mimen musste. Philip II. von Spanien, als in schwarz gewandeter Dämon unter dem Kreuz, muss mit watschelndem Gang durch seine Auftritte steuern. Ist Elizabeth von schönen Hofdamen umgeben, hat man Maria Stuart dunkle Gestalten an die Seite gestellt, die sämtlich als Boten der Unterwelt durchgingen.

Viel farbenprächtiger als die einfarbigen Charaktere präsentieren sich die Bilder. Aber anstatt eine Entwicklung zu begleiten, sind sie oft symbolüberladen, schrecklich simpel und vorhersehbar. Da reicht es nicht, dass uns die die kleine Isabella von Spanien gezeigt wird, die ihr Vater, Philip II. von Spanien, auf Englands Thron setzen möchte. Nein, sie muss ein Püppchen in der Hand halten. Ständig werden dem Zuschauer Kreuze vor die Augen gehalten, als ob dieser nicht mitbekommen hätte, in welcher Mission Philip II. unterwegs ist.

Zur Veranschaulichung dieser einfachen Bildersymbolik eine Szene im Abriss: Ein in schwarz gekleideter, düster blickender Philip II. wird in einer dunklen Kapelle gezeigt (ein Kreuz im Hintergrund). Es erfolgt ein Umschnitt auf Elizabeth, die mit heller Rüstung in einem weißen, vom Wind bewegten Zelt gezeigt wird. Schnitt auf Philip II, der murmelt: “Elizabeth ist Dunkelheit, ich bin das Licht.” Schnitt auf Elizabeth, die das Zelt gleich mit einem weißen, wallenden Gewand verlassen wird.

Am Schluss wartet der Film dann überflüssiger Weise auch noch mit Magie auf: Sir Walter Raleigh steuert in stürmischer Nacht ein brennendes Schiff in die Linien der Spanier, springt über Bord und befindet sich nur Minuten später an Bord des Flaggschiffs der Engländer neben Sir Francis Drake.

Brilliant: Cate Blanchett

Was den Film sehenswert macht, ist die Leistung von Cate Blanchett. Ihre Zerissenheit zwischen Verlangen und Verpflichtung, die öffentlich zur Schau getragene Würde unter persönlichem Schmerz sind großartig. Mit einer anderen Schauspielerin wäre der Film sicher ganz schnell untergegangen.

Und so hat “Elizabeth – The Golden Age” doch ein paar große Momente. Etwa in der Konfrontation zwischen Elizabeth und dem spanischen Botschafter, der ihr vorwirft, Piraterie zum Nachteil Spaniens angeordnet zu haben. In diesem Moment überträgt sich etwas von der Energie und Würde der Figur Elizabeths, die sehr wohl weiß, wie nah am Abgrund sich das Land befindet.

Oder wenn sie vor der Schlacht die Reihen ihrer Männer abreitet und die Worte an sie richtet, die – da ist man sich wirklich absolut sicher – diesen hoffnungslos unterlegenen Haufen zum Sieg führen werden.

Makellos ist auch die Vorstellung von Geoffrey Rush, der wie schon im ersten Teil Elizabeths Berater Sir Francis Walsingham spielt. Fast tut er einem leid, dass er bei bekannter Bündnislage Philip II. den Vorwand für einen Krieg liefert, dies aber nach Drehbuch nicht hat kommen sehen dürfen. Solche Konstruktionen beleidigen die Vernunft des Zuschauers.

Clive Owen ist als guter Schauspieler bekannt und überzeugt in der Rolle des Sir Walter Raleigh soweit es das Drehbuch zulässt ebenso wie die ihm an die Seite gestellte Abbie Cornish.

Wer den englischsprachigen Trailer gesehen hat, wird wissen, dass man sich trotz aller Mängel des Films die DVD wohl wird besorgen müssen, um Cate Blanchett in Originalsprache erleben zu können. Wie leicht hätte diese Frau, einen anderen Regisseur und ein besseres Drehbuch vorausgesetzt, einen Meilenstein in diesem Genre schaffen können.

So bleiben vor allem eine tolle Cate Blanchett und schöne Kostüme in Erinnerung.

Wertung: 6/10

Die DVD erscheint im Februar.

Ôdishon (Audition, 1999)

Takashi Miikes “Audition” ist ein Film, der sehr lange nicht verrät, welchem Genre er angehört. So wird am Anfang sehr viel Zeit darauf verwendet, die Hauptfigur und dessen Umfeld einzuführen: Sieben Jahre nach dem Tod seiner Frau, denkt Filmproduzent Shigeharu Aoyama (Ryo Ishibashi) wieder ernsthaft an Heirat. Sein Freund bringt ihn auf die Idee, bei einem Vorsprechen (Audition) für einen Film nach einer geeigneten Kandidatin Ausschau zu halten. Shigeharu hat zwar Bedenken, weil kein Geld für den Film vorhanden ist und ihm das Ganze als Täuschung erscheint, stimmt aber zu. Eine extra initiierte Radioshow soll Kandidatinnen anlocken. Schon am nächsten Tag hört Shigeharu bei einer Autofahrt mit einem Anflug von Lächeln im Gesicht, eine Stimme im Radio säuseln, die verspricht, ein “Star von Morgen” werden zu können.

In einer wunderschönen Szene kurz darauf sitzt er schon über den unzähligen Einsendungen hoffnungsvoller “Stars von Morgen” gebeugt. Schuldbewusst blickt er über die Einsendungen hinweg auf das Foto seiner verstorbenen Frau, das er verlegen wegdreht, bevor er mit der Vorauswahl der dreißig Frauen fortfährt, die zum Vorsprechen eingeladen werden sollen.

Das Vorsprechen steuert mit viel leiser Ironie auf den Punkt zu, an dem Nummer 28, Asami Yamazaki (Eihi Shiina), die von Shigeharu im Vorfeld ins Auge gefasste Favoritin, die Bühne betritt. Ganz begeistert von der jungen Frau, wird der bis dahin sehr zurückhaltende Mann von seiner Leidenschaft spürbar an die Grenzen japanischer Zurückhaltung getrieben. Ja, Asami Yamazaki scheint die Richtige zu sein.

Obwohl sein Freund ein ungutes Gefühl hat und wenig später Unregelmäßigkeiten in den Angaben von Asami entdeckt, beginnt er sich mit Asami zu treffen.

Das ist dann auch der Zeitpunkt, zu dem Film das Fahrwasser eines ruhigen Dramas verlässt. Erste Indizien sorgen dafür, dass man sich Sorgen um den verliebten Shigeharu zu machen beginnt. Etwas scheint mit der so zurückhaltenden Asami nicht zu stimmen.

Der Film zieht im Tempo nicht an, sondern lässt sich nach wie vor Zeit, seine Geschichte zu entwickeln. Dabei wird einem nie langweilig. Kurz vor dem großen Finale gibt es eine phantastisch in die Handlung eingearbeitete Traumsequenz. Knapp dreizehn Minuten geben nicht nur kunstvoll Aufschluss über zahllose Ereignisse in der Vergangenheit sondern wirken gleichzeitig als antizipierendes Moment. Und dieses Moment bereitet Unbehagen, wenn man an Shigeharus Wohlbefinden denkt.

Der Schluss des Films steht unter dem Motto: “Du kannst Lügen erzählen, deine Schmerzen nicht.” Nun wird es leider ziemlich blutig. Das ist zwar alles sehr schön fotografiert und in großartigen Gegensätzen erzählt. Aber ein derartiges Ende ist nicht jedermanns Sache. Wenigstens braucht der Film keine tumbe Pseudorechtfertigung für seine Gewaltdarstellung wie man das etwa aus der SAW-Reihe kennt. Denn die Erschütterung des Zuschauers gibt der Überraschung, mit der der Film aufwartet, wenn Shigeharu am schlimmsten leidet, erst die rechte Wirkung. Selten hat Hoffnung heller erstrahlt!

The Ring (2002)

Wer Gore Verbinski nur als Regisseur von “The Mexican” kennt und abwinkt, hat zwar in seiner Beurteilung vorgenannten Films recht, verpasst aber mit “The Ring”, übrigens ein Remake des japanischen “Ringu”, ein richtig gutes Werk.

Die Erfahrung zeigt, dass “Audition” und “Ring” ganz unterschiedlich wahrgenommen werden. Entweder hält man ersteren für den Film, der Grusel verursacht, oder letzteren. Findet man das Finale von “Audition” richtig schön schaurig, wendet man sich nicht leicht angewidert ab vom vielen Blut, dann wird “The Ring” eher als Film ohne Horror wahrgenommen. Letzterer arbeitet nämlich auf einer visuellen Ebene bloßer Andeutung, die mit Soundeffekten kombiniert, eine wahrhaft schauerliche Wirkung erzeugen kann. Aber dazu muss eben etwas im Kopf stattfinden.

Der Plot klingt zunächst ziemlich fragwürdig. Ein Videotape tötet innerhalb von sieben Tagen jeden, der es gesehen hat. Andererseits hatten “Alien” und “Shining” auch eine wenig glaubwürdige Basis – und das sind großartige Filme. Ganz so hoch hinaus geht es für “The Ring” sicher nicht, aber immerhin.

Im Gegensatz zu “Audition” nimmt sich “The Ring” keine Zeit für lange Einführungen. Der erste Personalausfall erfolgt früh. Eine Teenagerin, die zuvor mit drei Freunden ein Wochenende in einer Hütte verbracht hat, kommt unter mysteriösen Umständen ums Leben.

Die Mutter des Mädchens bittet die Reporterin Rachel Keller, gespielt von Naomi Watts, der Sache auf den Grund zu gehen. Rachel stellt schnell fest, dass etwa zeitgleich auch die anderen Freunde auf seltsame Weise ums Leben gekommen sind.

Mit der Theorie um das gefährliche Videotape vertraut, stattet die Reporterin der Hütte einen Besuch ab. Sie findet das Videoband und schaut es sich an – was natürlich ein böser Fehler ist. Das Tape startet mit einem Ring (The Ring) und enthält eine verstörende Anzahl von Bildern und Sequenzen, deren Bedeutung zunächst rätselhaft bleibt. Das Band selbst bildet ein kleines Kunstwerk innerhalb des Films. Auf billige Effekte und Blut wird komplett verzichtet, die Wirkung wird allein durch eine kaum erklärbare Mischung aus Motiv, Komposition und Geräuschen erzielt. Und das ist eine phantastische Leistung.

Schon kurz nach dem Anschauen des Films werden erste Boten des kommenden Schreckens vorausgeschickt. Die Ankündigungen werden sich noch intensivieren. Der Sieben-Tage-Theorie muss Glauben geschenkt werden, die Ermittlungen beginnen, noch ist Zeit.

Der Film entwickelt nun eine spannende und atmosphärisch dichte Suche, um dem Rätsel hinter dem Band auf die Spur zu kommen und den in Gang gesetzten Countdown zu stoppen. Dabei lernen wir nicht nur Rachel näher kennen, sondern auch deren Sohn Aidan (David Dorfman) sowie den Freund Noah Clay (Martin Henderson), die beide auch das Band anschauen. Die Charaktere besitzen alle ein Profil, das mit Leben gefüllt wird. Die Besetzung dieser Rollen, wie auch der Nebenfiguren, könnte nicht besser sein.

Fazit: Beide Filme gehören in die Kategorie intelligenter Horror-Film, sind hervorragend erzählt und besetzt. “Audition” kann man über vierzig Minuten hinweg für ein erstklassiges Drama halten. Das blutige Finale freilich wird nicht jedermann zusagen. Darüber hinaus bietet “Audition” einen feinen psychologischen Subtext, über den man lange nachdenken kann. “The Ring” ist im Gegensatz zu dem ruhigeren und komplexer angelegten “Audition” schneller erzählt, deutlich spannender und verzichtet auf rote Farbe. Die Psycho-Schreckeffekte des “Rings” haben deutlich größeres Gänsehautpotential und wirken lange nach. Am Ende ist man tief erleichtert, den Film auf DVD und nicht auf einem Videoband gesehen zu haben. Versprochen.

Wertung: Audition (8.5/10), The Ring (8.5/10)

“Audition” oder “Audition – Special Edition” bei Amazon bestellen.

“The Ring” bei Amazon bestellen.