Our Life Is Not A Movie Or Maybe

Gestern habe ich zum vierten Mal „C’era una volta il West“ („Once Upon a Time in the West“) gesehen, nachdem die DVD jahrelang im Regal geruht hatte. Ich war überrascht, wie stark stilisiert die Bildsprache von Leone doch ist. Das hatte ich so nicht in Erinnerung. Es hat ein wenig gedauert, bis ich mich durch die starken Bildkompositionen in die Geschichte hinein gesehen habe. Einmal dort angekommen, habe ich mich aber wieder sehr wohl gefühlt – und auch dieses Mal wieder Neues entdeckt. Den Film noch einmal zu sehen, hat sich also gelohnt. Ich habe keinen Grund gefunden, ihn von der Liste der Lieblingsfilme zu streichen.

Die großartige Geschichte, die stilistisches Protzen und manch coolen Spruch mühelos verkraftet, kennt man beim vierten Durchlauf natürlich. Deshalb hat man Zeit, auf andere Dinge zu achten. Auf die schönen Farben, die großartige Ausstattung, das Licht, die Bildkomposition, musikalische und thematische Motive, ja die Sounds überhaupt – und die Gesichter, die Dialog ersetzen, wenn man sie so phantastisch inszeniert. Weil man inzwischen manch anderen Western gesehen hat, entschlüpften einem auch wohlige Sätze wie „Ah, das hat Leone von Fred Zinnemann!“ oder „The Searchers!“ usw. Wenn das Gedächtnis besser wäre, käme es sicher zu deutlich mehr Äußerungen, aber immerhin.

Ich habe mich dieses Mal ganz über die Farben begeistern können. Die breite Palette von gelb bis braun, oder das schöne rot. Die Details der Ausstattung, angefangen vom Interieur des Eisenbahnwaggons bis hin zum immer größer werdenden Set von „Sweetwater“. So etwas kann man heute gar nicht mehr drehen.

Die tollen Wolken im Hintergrund von John Ford country. Der immer richtige Stand der Sonne, um maximalen Effekt aus der Kulisse zu gewinnen.

Wenn ich bei anderen Filmen mit Sicherheit von einer gefährlichen (die Story überlagernde) Ästhetisierung sprechen würde, sage ich bei „Once Upon a Time in the West“ selbst bei der Beerdigung von Brett McBain noch: „Herrliche Bilder!“ Der niedrige Kamerawinkel, das Gegenlicht, die Farben!, wenn Claudia Cardinale aus der Sonne an das offene Grab tritt. Das ist doch unglaublich schön. Solch gewaltige Bilder verkraftet sonst kein Film.

Bild: Herrlich!

Und die Musik! Was für eine Inkompetenz der Academie-Mitglieder, Ennio Morricone nicht mal für den Oscar zu nominieren. Abgesehen davon, dass dieser trotz fünf erfolgter Nominierungen nie einen Oscar für eine Filmmusik gewonnen hat. Der Ehrenoscar kam immerhin als Schuldeingeständnis. Wenn man sich anschaut, wer in der Kategorie Filmmusik schon gewonnen hat, muss man einfach in hysterisches Lachen verfallen.

Ist „Once Upon a Time in the West“ nun der beste Western? Ohne Frage! Natürlich. Und natürlich profitiert der Film von seinen großen Vorgängern, die er liebevoll aber in ureigenem Stil zitiert. Denn vor allem stilbildend ist er wie kaum ein anderer. Und dabei makellos, wie mir scheint. Oder doch ganz dicht an der Perfektion. Bei John Fords „The Searchers“ zum Beispiel finde ich trotz seiner epischen Wucht etwas zum kritisieren. Wenngleich auf einem über – den – Woken – Niveau.

„Once Upon a Time in the West“ ist auch bei weitem Sergio Leones bester Western. Ich bilde mir ein, dass dafür auch Bernardo Bertolucci verantwortlich ist, der die Geschichte, die dem Drehbuch zugrunde liegt, mitgeschrieben hat. Der Film ist mit stärkerem Stoff weniger zynisch als die früheren „A Fistful of Dollars“ (1964) und „The Good, the Bad and the Ugly“ (1966) oder der spätere „A Fistful of Dynamite“ (1971). Die durchweg geniale Besetzung trägt selbstverständlich ein übriges zum Erfolg von „Once Upon a Time in the West“ bei. Claudia Cardinale als „Zukunft“ oder Jill McBain und die Männer einer „ancient race“: Henry Fonda in seiner Lieblingsrolle als Frank, Jason Robards als Cheyenne und Charles Bronson in seiner Durchbruchsrolle als Harmonica. Besser besetzt kann man sich den Film nicht einmal denken. Geschweige von der Umsetzung …

Gestern nun habe ich den Film also zum vierten Mal gesehen. Und ich könnte schon wieder! Aber das wird dem Leser nicht anders gehen, oder?

IMDb: Once Upon a Time in the West

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Der Western hält immer wieder eine Überraschung bereit. Wie sich neulich gezeigt hat, führt die Spur von John Fords “Stagecoach” (1939) zu Flaubert zurück. Zugegeben, da war etwas Euphorie des Verfassers im Spiel. Die Verbindung lässt sich mit etwas Phantasie zwar ziehen, ist aber hauchdünn.

Delmer Daves wunderbarer Western “Jubal” (1956) ist dagegen offensichtlich von Shakespeare inspiriert. Der im Folgejahr von Delmer Daves gedrehte Western “3:10 to Yuma” (1957) wurde hier bereits vorgestellt. Wenngleich “Jubal” die phantastische schwarz-weiß Cinematographie von “3:10 to Yuma” nicht ganz erreicht (das mag eine Geschmacksfrage sein, denn auch “Jubal” ist herausragend photographiert), ist die Handlung noch packender und dichter.

Daves, der das Drehbuch zusammen mit Russell S. Hughes nach der Romanvorlage von Paul Wellman geschrieben hat, kopiert “Othello” nicht einfach in eine Westernlandschaft, sondern verwendet lediglich Motive, die er variiert oder zum Teil ganz neu gestaltet, um daraus eine Geschichte zu machen, die in Landschaft und Zeit passt.

Handlung

Der Rancher Shep Horgan (Ernest Borgnine) findet eines Tages den Fremden Jubal Troop (Glenn Ford) am Straßenrand liegen. Troop hat ein Blizzard beim Überqueren der Berge beinahe das Leben gekostet. Horgan nimmt den Fremden mit auf seine Ranch. Horgans Frau Mae, gespielt von der deutlich mehr als nur attraktiven Valerie French, wartet nur auf eine Abwechslung. Von Versprechungen aus Canada auf die Farm gelockt, öden sie das Leben und Shep gleichermaßen an. Sie macht Troop ganz eindeutige Avancen. Der Fremde, der sein ganzes Leben lang dem Unglück, welches ihm anzuhaften schien, davongelaufen ist, hat Skrupel. Er ist Horgan freundschaftlich verbunden. Horgan vertraut ihm und ernennt ihn sogar zum Vorarbeiter. Aber Mae ist eine Frau, die eine starke Wirkung hinterlässt. Früh warnt ihn ein Arbeiter, dass ihm Mae schlaflose Nächte bereiten wird. Weil sie allen schlaflose Nächte bereitet.

In Pinky (Rod Steiger) findet Troop seinen Rivalen. Der konnte den Neuen von Anfang an nicht leiden. Als Vorgänger in der Gunst von Mae fühlt er sich nun zurückgesetzt und gedemütigt. Die Ernennung von Troop zum Vorarbeiter vermehrt seine Eifersucht um Wut. Von Pinky wird nichts Gutes ausgehen …

Daves wandelt das Motiv der “Desdemona” (der Unglücklichen) mit Mae Horgan, einer wahren femme fatale (und hot like hell), nicht nur ab, sondern entwirft auch eine Gegenfigur. Die unschuldige Naomi Hoktor (”I’ve not been kissed.”), gespielt von Felicia Farr, zieht mit ihren Leuten gerade durch das Gebiet der Ranch. Krankheiten erzwingen einen Aufenthalt. Man lernt sich kennen und findet sich sympathisch. Leider ist Naomi schon einem Mann versprochen. Der ist weniger sympathisch als Troop und scheint vor nichts zurückzuschrecken. Auch von dieser Seite kündigt sich also Ärger an.

Wie bei Shakespeare sind es die Themen Freundschaft, Loyalität, Leidenschaft und Eifersucht, die den Film bestimmen. Und so bleiben dramatische Entwicklungen nicht aus. Wer “Othello” kennt, kann sich zudem auf viele Variationen mit Wiedererkennungswert in der Handlung freuen.

Und doch wieder Flaubert?

Am Ende kann man den Bogen sogar wieder zu Flaubert spannen. Wenn Mae die Ranch mit den Worten “For a woman it’s 10000 acres of loneliness” beschreibt, dann klingt das doch ganz nach Madame Bovary, über die Flaubert schreibt:

“Wie Matrosen in Seenot ließ sie den verzweifelten Blick über die Öde ihres Lebens schweifen und suchte fern am nebligen Horizont ein weißes Segel.”

oder

“Ihr war … als stiegen angesichts des dampfenden Rindfleischs (!) vom Grund ihrer Seele noch mehr Schwaden der Langeweile auf.”

Sehr wahrscheinlich spielt auch eine Geschichte aus der Bibel mit hinein – der Hintergrund der durchreisenden Landsucher und Troops Lebensgeschichte deuten das an. Klar ist, die Themen des Films reichen weit über das, was man sich unter einer gewöhnlichen Westernhandlung vorstellt, hinaus. Großartige Schauspieler, ein in seiner Eifersucht bewunderungswürdig fieser Rod Steiger sei herausgehoben, überzeugen in ihren Rollen. Charles Bronson spielt als Reb Haislipp noch eine kleine Nebenrolle. Musik und Bilder, ich habe es erwähnt, sind weit über Durchschnitt. Insgesamt wundert man sich, dass der Film nicht bekannter ist. Das sollte sich ändern!

Wertung: 9/10

Stagecoach ist der Name eines vierrädrigen Kutschentyps. Gewöhnlich von vier Pferden gezogen, war diese Kutsche das gängige Langstreckenbeförderungsmittel bevor die Eisenbahn die Weiten Amerikas erschlossen hat. Eine lange Reise in einer solchen Kutsche (coach) erfolgte in Etappen von einer Station (stage) zur nächsten. Die Reiseroute des Films via “Overland Stage Line” verläuft von Tonto über Dry Fork, Apache Wells, Lee’s Ferry nach Lordsburg.

Die erste Szene des Films zeigt eine Telegraphenstube, in der eine militärische Lagebesprechung stattfindet. Die Apachen der Gegend sind unter der Führung des aus dem Reservat ausgebrochenen Geronimo auf dem Kriegspfad und haben bereits zahlreiche Häuser in Brand gesteckt. Ein gerade eintreffender Funkspruch aus Lordsburg bricht nach dem ersten Wort ab. Die Meldung lässt Schlimmes ahnen: “Geronimo …”

Zur gleichen Zeit trifft in Tonto eine Kutsche ein. An Bord befinden sich bereits Lucy Mallory (Louise Platt), die ihren Mann Richard in Lordsburg besuchen möchte und Samuel Peacock (Donald Meek), ein Whiskyhändler. Nach einem kurzen Zwischenstop soll die Reise fortgesetzt werden.

Das ist die Gelegenheit, um die weiteren Fahrgäste einzuführen. Das sind Marshal Curly Wilcox (George Bancroft), der den Ausbrecher Ringo Kid verhaften möchte, der alkoholabhängige Doctor Boone (Thomas Mitchell), Dallas, eine Prostituierte, die von der “Law and Order League” aus der Stadt getrieben wird und Hatfield (John Carradine), ein sich als Gentleman gerierender Glücksspieler, der Lucy Mallory vorgeblich seinen Schutz anbieten möchte.

Wegen Geronimo und seinen Leuten stellt die Armee der Kutsche eine Eskorte zur Verfügung, warnt aber alle Reisenden über die Risiken. Niemand der unterschiedlich stark verängstigten Reisenden mag von der Reise Abstand nehmen. Am Ortsrand steigt in letzter Sekunde noch der zwielichtige Bankdirektor Henry Gatewood (Berton Churchill) zu.

Kaum haben die Reisenden die Stadt hinter sich gelassen, fängt die Kamera zum ersten Mal das beeindruckende Hintergrundpanorama des Monument Valley ein, durch welches die Reise führt. Der Regisseur wird Gefallen an der Landschaft gefunden haben, schließlich kam er für weitere acht Filme an diesen Drehort zurück.

Wenig später macht sich der letzte Mitfahrer durch einen Schuss in die Luft am Wegesrand bemerkbar. Es ist John Wayne in der Rolle des Ringo Kid. Dem wird von John Ford eine beeindruckende Einführung in den Film, der Wayne zum Star machen wird, zugestanden: den Sattel über den linken Arm geworfen und mit einem Gewehr in der Rechten, das er lässig wie einen Revolver herumschwingt – im Hintergrund die Tafelberge -, hält er die Kutsche an, während die Kamera ganz dicht an ihn heranzoomt. Unvergesslich!

Ringo Kid, der auf dem Weg nach Lordsburg war, um eine Rechnung mit den Plummer Brüdern zu begleichen, hat sein Pferd im Stich gelassen. Er wird vom Marshal freudig begrüßt und sofort unter Arrest gestellt. Eine böse Überraschung für Ringo.

In der nächsten Station wartet auf alle Reisenden eine böse Überraschung. Die Eskorte, die die Kutsche eigentlich übernehmen sollte, wurde abkommandiert. Die Weiterreise, von der niemand lassen möchte, wird noch gefährlicher.

Die Kamera schwenkt immer wieder über die Landschaft und fängt beeindruckende Bilder von der einsam durch das Monument Valley fahrenden Kutsche ein. Wie ein Kontrast schlagen einem die Bilder aus dem beengten Innenraum entgegen, in dem die unterschiedlichsten Typen dicht gedrängt gegenüber sitzen und miteinander hadern. Ihre Vorurteile wirken vor dieser großartigen und weiten Kulisse der Natur so recht als das, was sie sind. Die Reise durch die Wüste scheint zugleich ein Ort der Reinigung zu sein. Aber das alles braucht Zeit, die sich der Film nimmt, ohne sie zu vergeuden. Was am Anfang noch wie eine reichlich konstruierte Reisegruppe gewirkt hat, füllt der Film mit Leben: er verwandelt die Figuren in Individuen.

Im Figurenensemble richtet der Film besondere Aufmerksamkeit auf das Verhältnis des Outlaws Ringo zu Dallas. Der weiß zunächst nichts von deren beruflicher Tätigkeit, was die sich anbahnende Liebe mit einer gewissen Unsicherheit für die Zukunft behaftet.

Auch für den inhaftierten Ringo bringt man Verständnis auf, wenn man erst einmal mehr über dessen Hintergrund erfahren hat. Bald macht er Dallas den Vorschlag, ihm auf seine Ranch hinter der Grenze zu folgen. Vorher möchte er freilich noch Rache an den drei Plummer Brüdern nehmen, die er in Lordsburg vermutet.

Zuerst gilt es aber das Problem mit seiner Inhaftierung zu lösen. Und so lange die Kutsche nicht Lordsburg erreicht hat, ist überhaupt niemand in Sicherheit. Deshalb spitzt sich die Lage erneut zu, als die Kutsche durch ein überraschendes Ereignis aufgehalten wird, bei dem sich Doc Boone auszeichnen kann.

Manche Figuren der großen Gruppe bleiben im Film notgedrungen etwas blass, aber es gibt niemanden, den der Regisseur nicht mit ein paar Bildern Persönlichkeit einhauchen kann. Ein gutes Beispiel ist Peacock, der Whiskeyhändler, der mehr Gegenstand eines running gag und Projektionsfläche für den Trinker Doc Boone ist. Boone pflegt ein von großer Zuneigung geprägtes Verhältnis zum von ihm als “Reverend” verehrten Peacock, weil der dankenswerterweise mit einem großen Koffer von Probeexemplaren reist, den Boone “verwaltet”. Nicht zu Unrecht hat der in diesem Jahr dreifach nominierte Thomas Mitchell für seine philosophisch angehauchte Darstellung des Doc Boone den Oscar für die beste Nebenrolle bekommen.

Prägen die Reise vor allem soziale Aspekte, kommt im großen Showdown Hollywood auf seine Kosten. Aber vor dem finalen Duell müssen erst einmal die Gefahren der Reise überstanden werden. Geronimo und seiner Krieger machen sich nämlich schon für eine eindrucksvolle Verfolgung mit spektakulären Stunts bereit.

“Stagecoach” war John Fords erster Western mit Ton. Der Film war eine Revolution für das Westerngenre, das bis dahin vor allem das B-Movie beherrschte. Die Zeit hat dem Film wenig anhaben können. Es wäre schade, wenn man dieses sehenswerte Stück Filmgeschichte nicht kennt.

Wertung: 9/10