Our Life Is Not A Movie Or Maybe

“Why did the chicken cross the road?” – das ist ein Satz aus John Hustons “The African Queen” (1951). Der Film spielt 1914 in Deutsch-Ostafrika. Den Ausbruch des Ersten Weltkrieges bekommt eine Mission im Dschungel zu spüren, als deutsche Truppen die Hütten des Dorfes in Brand stecken. Die Missionarin Rose Sayer (Katharine Hepburn) flieht gemeinsam mit Kapitän Charlie Allnut (Humphrey Bogart) auf einem kleinen Dampfboot. Das heruntergekommene Boot trägt den stolzen Namen “African Queen”.

Bild: Rose entleert den Ginvorrat. Charlie hat noch einen schweren Kopf.

Was folgt, ist ein Mischung aus Abenteuer und Romanze. Sie zieht ihre Kraft aus den gegensätzlichen Charakteren, die sich, auf einer Nussschale zusammengezwängt, erst auf einen verwegenen Plan und dann auch aufeinander einlassen.

Während eines Gespräches fragt Rose den Kapitän, was ihn nach Afrika geführt hat. Ein Brückenbau der Briten ist es gewesen. Für Charlie ein unverständliches Projekt, schließlich gleicht der Dschungel auf der linken Seite des Flusses dem auf der rechten Seite. Das Unerklärliche drückt er mit den Worten aus: “Why did the chicken cross the road?”

Das ist die Stelle des Films, an der sich 0,12% aller Zuseher fragen, ob die Figur Charlie Allnut so sprechen würde. Allnut wird als einfacher Mann eingeführt. Zu Beginn des Films, wenn er von Rose und ihrem Bruder zum Essen eingeladen wird, windet er sich qualvoll auf seinem Stuhl, während die Missionare gepflegte Oberklasse-Konversation betreiben. Viel mehr als ein wiederholtes “That’s right, Miss”, kann er nicht beitragen. Hinzu kommt ein Magenknurren Allnuts, das dem Ganzen eine degradierende Note verleiht.

Ob Allnut so sprechen würde oder nicht, ist letztlich egal, weil sich der Film zum Vorteil des Zuschauers entwickelt. Was nützt ein Kapitän, der keinen vernünftigen Satz formulieren kann? Und Charlie wird noch zu hoher Form auflaufen. Eine Einstellung zeigt ihn beim Rasieren. Der polierte Dampfkessel der “African Queen” dient ihm als Spiegel. Während Rose gleichgültig am Ende des Bootes sitzt und in einem Buch liest, legt Charlie los:

“Ah, it’s a great thing to have a lady aboard with clean habits. It sets the man a good example. A man alone, he gets to living like a hog. Then, too, with me, it’s always: ‘Put things off. Never do today what you can put off till tomorrow.’ But with you: ‘Business before pleasure.’ Every time. Do all your personal laundry, make yourself spic and span, get all the mending out of the way and then – and only then – sit down for a nice quiet hour with the Good Book. I tell you, it’s a model – like an inspiration.”

Eine Auswahl ähnlich bemerkenswerter Filmperlen findet man auf dieser (filmsite.org) Seite.

Anders als im Film, kann man den Satz vom Huhn – der schriftlich erstmals 1847 (Wiki) dokumentiert ist – aber auch ernst nehmen. Und wenn es nur dazu dient, eine humorvolle Antwort zu finden.

Why? Antworten.

Eine mögliche Antwort – Ludwig Wittgenstein in den Mund gelegt – lautet: “The possibility of ‘crossing’ was encoded into the objects ‘chicken’ and ‘road’, and circumstances came into being which caused the actualization of this potential occurrence.” Pyrrho der Skeptiker könnte wie folgt geantwortet haben: “What road?” Oder noch skeptischer: “It did?”

Eine größere Zusammenstellung möglicher Antworten findet man hier (philosophy.eserver.org).

Das Finale als “actualization of its potential”

Was hat das mit dem Film zu tun? Das Ende eines Films ist – ähnlich der Entscheidung des Huhns, to cross or not to cross – die Realisierung einer “Möglichkeit”. Und hier ist es, wo ich wirkliche Schwächen in den zwei zuletzt gesehenen Filmen von John Huston sehe.

Das Ende von “The Treasure of the Sierra Madre” (1948, IMDb) empfinde ich geradezu verwegen. Zumal es in einen Widerspruch mündet. Will Huston einen moralischen Film über den Fluch des Goldes (wobei sich freilich der Mensch als Fluch des Menschen erweist) zeigen – und daran gibt es wenig Zweifel, dann dient er der moralischen Botschaft nicht, wenn das Ende unglaubwürdig ist. Die Sache wird nicht besser, wenn das unglaubwürdige Ende auch noch mit starker Hand und spürbarer Freude inszeniert ist.

Sieht man vom Ende und dem Umstand ab, dass Humphrey Bogarts Charakter in “The Treasure of the Sierra Madre” einige sehr abrupte Stimmungswechsel vollziehen muss, dann ist der Film nach wie vor absolut sehenswert. Tolle Darsteller und eine gewohnt gekonnte, mätzchenfreie Inszenierung Hustons.

Die Entwicklung der Figuren gefällt mir in “The African Queen” besser. Aber auch hier läuft der Film auf ein wenig glaubwürdiges Ende hinaus. Gleichwohl ist auch dieser Film sehenswert. Gerade im Sommer, wenn zwanzig Minuten Mückenjagd Alltag sind, um schlafen zu können, wird man die Darstellungskünste Humphrey Bogarts bewundern (und nachvollziehen können), wenn er seinen Körper von Blutegeln übersät findet. Und Katharine Hepburn, die sich über den Psycho-Kick, den ihr das Durchfahren von Stromschnellen bereitet, begeistert, lässt man sich besser auch nicht entgehen.

Vielleicht fällt einem dann auch wieder das Huhn ein. Bezüglich “The African Queen” könnte man die Frage, warum das Huhn die Straße überquert, wie folgt beantworten: Das Huhn hat nach einem anderen Huhn bzw. Hahn gesucht. Auch um der Gefahr willen, Überfahren zu werden. No risk, no fun.

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IMDb: The African Queen

Warum sich nach einer langen Pause nicht ungewöhnlich zurück melden? Aber das tue ich im Grunde genommen gar nicht. Auch wenn es ungewöhnlich erscheinen mag, wenn man die drei Filme mit Tyrone Power, um die es heute geht, nicht kennt. Zwei Abenteuerfilme aus den 40-er Jahren? Muss das wirklich sein? Interessiert man sich für zeitlos gute Filme (gutes Drehbuch, überzeugende Darsteller und tolle Bilder), dann eigentlich schon. Wobei wir uns das “eigentlich” auch noch wegdenken – und damit einem Pflichtprogramm ins Auge sehen. Das Weiterlesen rechtfertigt sich also zumindest in der Sache.

Vorweg noch ein Wort zum Titel. “Schwarze“ Filme? Natürlich geht es nicht um Flops. Oder Filme, die von tragischen Ereignissen begleitet worden sind. Grund ist einzig die Farbe, die in allen drei Titeln präsent ist. Schwarz ist das Kostüm des Zorro, schwarz ist der „Schwan“ und schwarz ist die Nacht (der Alpträume).

„The Mark of Zorro“ (1940)

Rouben Mamoulians “The Mark of Zorro” (1940, IMDb) war einer der ersten Filme in meiner DVD-Sammlung. Und für ganz kurze Zeit auch der älteste Film der Sammlung. Berühmt wegen seines Degenduells zwischen Tyrone Power und Basil ‘Sherlock Holmes’ Rathbone, geschätzt wegen seines Humors – und zeitlos aufgrund seiner Inszenierung. Die Größe des Regisseurs Mamoulian ist mir zum Glück bald darauf aufgegangen, als ich “Dr. Jekyll and Mr. Hyde” (1931, IMDb) gesehen habe. Welches Remake hat einen der beiden Mamoulian-Filme übertreffen können? Keines.

Im Gegensatz zur Entdeckung der Größe Mamoulians, hat sich noch viel Staub auf die Hülle von “Zorro” herabgesenkt, bis ich Tyrone Power neu entdeckt habe. “Zorro” ist nicht die Charakterrolle gewesen, die mir den Darsteller hinter der Figur mit dem Verlangen nach mehr ins Gedächtnis gebrannt hat. Und weil auch nicht außercineastische Gründe – wie ihn beispielsweise ein Kurzauftritt von Joan Blondell oder Marian Marsh darstellen – weitere Recherchen inspiriert haben, vergingen eben etliche Jahre.

„Zorro“ ist als Stoff so bekannt, dass ich keine weiteren Worten zum besten Film mit diesem Helden verlieren möchte.

„The Black Swan“ (1942)

Auf “The Black Swan” bin ich eher zufällig gestoßen. Vielleicht weil mir “The Adventures of Robin Hood” (1938) so gar nicht zugesagt hat. Trotz der Besetzung mit Olivia de Havilland! Dem Film merkt man sein Alter wirklich an. Drei Oscars (Art Direction, Film Editing und Music) gab’s einmal dafür. Das verwundert heute schon ein wenig. Ich weiß nicht, ob es am Skript, den Strumpfhosen oder Errol Flynn gelegen hat (wohl an allem), aber den Film hätte ich mir gern erspart.

Nach der Enttäuschung wollte ich dem Genre mit “The Black Swan” eine letzte Chance geben. Piratenfilme, Abenteuerfilme überhaupt, sind nicht meine Vorzugskandidaten, wenn es an die Auswahl von Filmen geht. Was für eine schöne Überraschung habe ich dann aber mit dem “schwarzen Schwan” erlebt. Wie angenehm kann man überrascht werden, wenn man sich einem Film ohne Erwartungen nähert.

Zwar gewinnt “The Black Swan” (übrigens der Name eines Schiffes unter Piratenflagge) mit seinen Duellszenen gegenüber “Zorro” nicht. Denn die verzichten auf großartige Choreographie. Beschleunigte Wiedergabe ist hier der einzige und sehr augenfällige Spezialeffekt. Aber sie sind kurz und überhaupt kein wesentlicher Bestandteil der Handlung. Wegen der Duellszenen habe ich mir den Film sowieso nicht angeschaut. Ich beginne lediglich damit, weil die Duellszenen die einzige Schwäche des Films sind. Der Rest ist Licht!

Dem Film liegt ein Drehbuch von Ben Hecht zugrunde. Und das spürt man jederzeit. Hier hat ein Meister des Fachs gearbeitet. Der Seeräuberfilm überzeugt durch seinen Plot (”Master and Commander” mit all seinen visuellen Effekten hat mich im Vergleich viel weniger mitgerissen). In erster Linie vielleicht dadurch, weil er mit ausgesprochen witzigen Dialogen und Einstellungen vorangetrieben wird. Und man hier genau das so schwer zu treffende rechte Maß erwischt hat.

Die Grundidee vom Piraten, der sich in eine Frau verliebt, die wiederum einen anderen (natürlich einen Schuft) liebt und deshalb entführt wird, damit sie sich in den Piraten verlieben kann, klingt wirklich nicht rasend originell. In “The Black Swan” ist sie ist aber sehr erfrischend umgesetzt. Und das sage ich immerhin heute, siebzig Jahre nach dem Dreh.

Maureen O’Hara darf nämlich nicht nur ein hübsches, leider aber auch irgendwie dummes und häufig kreischendes Objekt in den Händen der Protagonisten spielen, sondern eine Frau, die sich mit dem Helden des Films ein Duell auf Augenhöhe liefert. Ich korrigiere daher auch meine vorherige Aussage bezüglich der Duellschwächen des Films. Der Film hat ja sein Duell! Wenn Maureen O’Hara und Tyrone Power auch nur Worte (freilich von der einen oder anderen Handgreiflichkeit begleitet) wechseln, dann hat das mehr Feuer als wenn sich kalte Klingen in schöner Choreographie kreuzen. Humor und Wortwitz anstatt Melodrama und verkitschter Liebesszenen. Das sieht man gern, das macht den Film zeitlos. Selten habe ich so gelacht.

Um abschließend vom Schönen zum Schöneren zu kommen, sei noch erwähnt, dass “The Black Swan” den Oscar für die beste Cinematography gewonnen hat. Und das völlig zu Recht. Was die Opulenz der Bilder betrifft, da ist der „schwarze Schwan“ wahrlich kein schwarzes Schaf, das sich verstecken müsste. Das muss sich wohl eher dieser schräge Vergleich …

“Nightmare Alley” (1947)

Etwas ganz anderes – ich sage bewusst nicht „something completely different“ – ist der Film “Nightmare Alley” (IMDb). Es ist kaum möglich, nach “Zorro” und “Black Swan” einen fließenden Übergang zu finden. Denn “Nightmare Alley” ist ein dunkles Drama ohne Humor und Späßchen. Liest man, was sowohl mit dem Autor als auch dem Regisseur passiert ist, dann muss ich an „Leaving Las Vegas“ (1995, IMDb) denken, der von der Stimmung her vergleichbare Emotionen auslöst, inhaltlich und thematisch freilich nichts mit „Nightmare Alley“ gemein hat.

Tyrone Power, der sich lange bemüht hat, dem Abenteuergenre mit Flucht in substanzhaltigere Rollen zu entkommen, beweist hier eindrucksvoll, was er kann, so ihm die Möglichkeit gegeben wird. Wie übrigens auch Pre-Code Star Joan Blondell, der man hier endlich einmal eine Charakterrolle eingeräumt hat. Letztlich beweist “Nightmare Alley” per se, was im Film bereits 1947 in Bezug auf realistisches Inszenieren möglich war. Wir Verdanken das dem Regisseur Edmund Goulding, der ein Buch von William Lindsay Gresham verfilmt hat.

“Nightmare Alley” erzählt eine Geschichte von großen Ambitionen, eine Geschichte vom Aufstieg und Fall des Protagonisten. Im Kern sind alle großen Filme einfach, aber wie ist er inszeniert! „Nightmare Alley“ beginnt im Milieu eines Wanderzirkus, dessen vom Scheinwerferlicht abgewandte, dunkle Seite unaufdringlich aber nachdrücklich geschildert wird. Reichlich Raum für Schatten gibt es hier. Hier entdeckt Stanton Carlisle (Tyrone Power) sein Talent zur Manipulation von Menschen. Zusammen mit der Wahrsagerin Zeena (eine beeindruckende Joan Blondell) führt er die Massen hinters Licht. Aber Stanton will höher hinaus. Dazu bedient er sich aller Ressourcen und Mittel. Legt Zeena beiseite und greift sich die nächste Frau. So avanciert er zum großen Star mit eigener Nummer. Aber da oben wird die Luft dünn und das Verhalten leichtsinnig, wenn man wie Stanton noch höher hinaus will. In einer mysteriösen, unglaublich coolen wie auch kontrollierten Psychiaterin (eine grandiose Helen Walker) findet er schließlich seine Meisterin, als ihm seine Partnerin Molly (Coleen Gray) nicht mehr folgen will. Das böse Erwachen folgt, wie man so sagt.

Wenn der Film vorbei ist und man sich bewusst wird, dass man „Nightmare Alley“ wohl nicht vergessen wird, dann weiß man auch, dass man einen wunderbaren großen Film gesehen hat.

Billy Wilders “Witness for the Prosecution” (1957, IMDb) mit Marlene Dietrich, Tyrone Power und Charles Laughton sollte man sich sowieso mal wieder anschauen. Aber der Film ist so bekannt, dass er hier ausnahmsweise mal am Schluss genannt wird. Und schließlich hat Tyrone Power nicht “Witness for the Prosecution”, sondern “Nightmare Alley” als seinen besten Film bezeichnet.

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